1ª SÉRIE - TEXTO 3: 1ª Unidade

Refletindo sobre a Arte

Entre todas as linguagens, a arte é a linguagem de um idioma que desconhece fronteiras, etnias, credos, épocas. Seja a linguagem das obras de arte daqui, seja de outros lugares, de hoje, ontem, ou daqueles que estão por vir, traz em si a qualidade de ser a linguagem cuja leitura e produção existe em todo o mundo e para todo mundo.

Pensar a arte é, então, pensar na leitura e produção na linguagem da arte, o que, por assim dizer, é um modo único de despertar a consciência e novos modos de sensibilidade. Isso pode nos tornar mais sábios, seja sobre nós mesmos, o mundo ou as coisas do mundo, seja sobre a própria linguagem da arte.

Como toda e qualquer linguagem, a arte tem códigos, e cada linguagem da arte tem seu código, isto é, um sistema estruturado de signos. Assim, o artista, no seu fazer artístico, opera com elementos da gramática da linguagem da arte com liberdade de criação, utilizando-os de forma incomum.

Desde a época em que habitava as cavernas, o ser humano vem manipulando cores, formas, gestos, espaços, sons, silêncios, superfícies, movimentos, luzes, etc., com a intenção de dar sentido a algo, de comunicar-se com os outros.

A Arte é uma forma de criação de linguagens – a linguagem visual (pintura, desenho, escultura, gravura, fotografia, cinema, etc), a linguagem musical (o canto e a música)e a linguagem cênica (teatro e dança), entre outras.

Toda linguagem artística é um modo singular de o homem refletir o seu estar-no-mundo. Quando o homem trabalha nessa linguagem, seu coração e sua mente atuam juntos em poética intimidade.

As obras de arte expressam um pensamento, uma visão do mundo e provocam uma forma de inquietação no observador, uma sensação especial, uma vontade de contemplar, uma admiração ou uma comunicação com a sensibilidade do artista. A esse conjunto de sensações chamamos de experiência estética.

O gosto e sensibilidade para apreciar a arte variam de pessoa para pessoa, de idade para idade, de região para região, de sociedade para sociedade, de época para época. Assim, as manifestações artísticas trazem a marca do tempo, do lugar e dos artistas que a criaram, pois refletem essa variação no conceito de beleza e na função do objeto artístico.

A arte é necessária: de tudo que observamos, pensamos e refletimos podemos concluir que a arte tem várias funções na sociedade e na cultura. Entre as funções da Arte, as principais são:

1. Refletir, pensar, questionar: Como nunca pensei nisso? Como as coisas podem se vistas assim? O que isso representa? O que me diz?
2. Distrair: que agradável observar uma obra tão bem feita!
3. Usufruir do prazer estético: Como o artista soube usar bem o seu material! Que efeito interessante! Que idéia bem realizada!
4. Fugir da realidade: E se as coisas fossem assim?
5. Diminuir a solidão: Ele sente a mesma sensação que eu!
6. Entender o ser humano: Como esse artista via o mundo de maneira diferente!

7. Conhecer o mundo: Quer dizer que essa forma de comunicação representa uma época? Um período estético?

8. Organizar, compreender os próprios sentimentos: que emoção estranha sinto com esse quadro! Será que estou gostando? Será que estou assustado com a imaginação do artista? Porque esse tema me incomoda?

9. Vivenciar outras realidades: Esse quadro parece que saiu de um pesadelo! Como ele pensou nisso?

10. Conhecer outra forma de ver o mundo: E eu que nunca tinha pensado assim!   

A experiência estética que a arte proporciona é uma forma de felicidade muito especial, porque é transformadora. Ela nos modifica pela emoção que proporciona. Para interagir e apreciar a arte usamos: experiências anteriores, percepção, habilidades comunicativas, visuais e espaciais; informações; sensibilidade; imaginação. Assim, quanto mais desenvolvemos estas capacidades, competências e habilidades mais nos aproximamos do mundo da arte.

Para entender a arte dependemos de algumas habilidades:

1. Observação: é uma habilidade que depende de olhar com interesse dirigido, examinar minuciosamente, focalizar a atenção, concentrar o pensamento e os sentidos com vontade de ver, de aprender, de perceber os detalhes significativos. É como usar uma lente de aumento sobre algum objeto.

2. Memorização: a memória visual é a capacidade de registrar com certa precisão aquilo que foi observado, de forma que, passando algum tempo, seja possível relembrar o que foi visto.

3.  Análise e Síntese: A observação e a memória trabalham juntas nos procedimentos de análise. Analisar é desenvolver e aprofundar a observação. De uma percepção mais geral, o analista segue para a decomposição das partes do objeto observado. Para isso utiliza-se de um método apropriado a cada objetivo. O método é uma espécie de roteiro a ser seguido na análise dos elementos que compõem o objeto.

Alguns exemplos desses elementos: cor, forma, textura, durabilidade, utilidade, etc.

Todos esses fatores se combinam e são orientados pelo gosto pessoal no momento em que precisamos analisar algum objeto. Usamos então esses elementos como argumento, ou seja, para fundamentar apreciação do tal objeto em análise. Essa análise leva a uma conclusão que chamamos síntese: é a essência da observação do objeto.

4. Orientação Espacial / Sentido de dimensão

Para utilizar a orientação espacial precisamos observar os espaços, memorizar direções e posições relativas a outras, bem como fixar pontos de referência para facilitar a localização.

Outra habilidade associada a essa orientação espacial é a percepção das dimensões, dos volumes, ou seja, do tamanho dos objetos.

O sentido da dimensão é a capacidade de avaliar a olho nu as dimensões dos espaços, das construções, dos objetos e de confrontá-los considerando as suas proporções.

5. Pensamento Lógico: Focalizamos as habilidades que nos asseguram uma percepção mais exata da realidade: a observação, a análise, a síntese, a orientação e o sentido de dimensão. Todas elas estão relacionadas à percepção da realidade. Dependem muito, portanto, do pensamento lógico: Vamos do geral para o particular, do particular para o geral, outra vez do geral para o particular e formulamos uma síntese do todo. Essa síntese tem explicação, fundamento, justificativa, argumentos que conduzem o pensamento numa determinada direção.

6. Pensamento Criativo: caminha por trajetos diferentes dos percursos do nosso pensamento lógico. Mais isso não quer dizer que a imaginação seja autônoma, que não precise de informação.

Quanto mais conhecemos, mais nossa imaginação tem material para trabalhar. Os artistas são, em geral, pessoas bem informadas, que conhecem profundamente a técnica que usam e o mundo que querem representar ou expressar por meio de suas criações. Quando os artistas trabalham com a imaginação estão também trabalhando com as informações que têm da realidade e de alguma forma estão fazendo alterações surpreendentes, engraçadas, assustadoras, envolventes, sobre estas informações.

Geralmente associamos a imaginação ao devaneio (sonho), à divagação (“viagem”) e à distração, mas o testemunho de artistas é de que a imaginação é uma forma de trabalho. Às vezes vai por caminhos diferentes do lógico, da razão, do raciocínio, mas nem por isso deixa de ser um trabalho: um trabalho com a liberdade de pensamento.

  

     (baseado em texto de Jô Oliveira e Lucília Garcez)

1ª SÉRIE - TEXTO 2: 1ª Unidade

A Arte na nossa vida

                                                                     

Você pode pensar que não conhece arte, que não convive com objetos artísticos, mas estamos todos muito próximos da arte. Nossa vida está cercada dela por todos os lados.

Ao acordar pela manhã, se você olhar um relógio para saber a hora, você poderá ter o primeiro contato do dia com a arte. O relógio, qualquer que seja o seu desenho, passou por um processo de produção que exigia planejamento visual. Especialistas estudaram e aplicaram noções de arte. A forma do seu relógio é resultado de uma longa história da imaginação humana e das suas preferências. A cor, a forma, o volume, o material escolhido, tudo isso está testemunhando o tempo e a transformação do gosto e da técnica. Ao observá-lo, você percebe se é um objeto antigo ou moderno, você reconhece que quem o desenhou preferia formar curvas ou retas, cores discretas ou fortes, metais, plásticos ou pedras brilhantes.

Quem escolhe um relógio para comprar, decide com base em suas preferências pessoais. Alguns preferem os mais elaborados, outros preferem os mais simples. É o gosto pessoal que predomina, e este pode variar infinitamente. E, como diz a sabedoria popular: “gosto não se discute”. Mas, quem sabe possamos discutir o gosto?

Em outros objetos do seu quarto e de seu cotidiano você pode observar a presença da arte: na estampa do seu lençol, no desenho da sua cama, no formato da sua escova de dentes, no desenho da torneira e da pia do banheiro, na xícara que você toma leite, nos talheres, no modelo dos carros na rua e no formato do telefone. Em todos os objetos há um pouco de arte aplicada. Este esforço para produzir objetos bonitos, agradáveis ao olhar, atraentes e harmoniosos, está presente em todas as culturas, em todas as civilizações e em nosso dia-a-dia.

Andando pelas ruas de sua cidade, você passa por uma praça e vê uma escultura, em um edifício vê um mural de mosaico, em uma igreja vê um painel de azulejos ou um vitral colorido. Se você é um observador sensível, e tem tempo, com certeza gosta de ficar olhando para tudo isso.

Essas formas, diferentemente dos objetos utilitários que você usa no dia-a-dia, têm a função de encantar, de provocar a reflexão e a admiração, de proporcionar momentos de prazer e emoção. Essas sensações são despertadas por um conjunto de elementos: a imaginação do artista, a composição, a cor, a textura, a forma, a harmonia e a qualidade da idéia. Nem todos os objetos artísticos têm uma utilidade prática imediata, além de estimular o pensamento, a sensibilidade ou causar prazer estético.

As obras de arte expressam um pensamento, uma visão de mundo e provocam uma forma de inquietação no  observador, uma sensação especial, uma vontade de contemplar, uma admiração emocionada ou uma comunicação com a sensibilidade do artista. A este conjunto de sensações chamamos de experiência estética.

Nem sempre essa experiência é ligada unicamente ao prazer, pois às vezes ficamos inquietos, pensativos, tristes, emocionados, amedrontados ou assustados. O que nos atrai é a sensibilidade do artista, sua imaginação, seu intelecto, sua percepção especial da vida, mesmo quando apresenta aspectos negativos.

O gosto e a sensibilidade para apreciar a arte variam de pessoa para pessoa, de idade para idade, de região para região, de sociedade para sociedade, de época para época. Assim, as manifestações artísticas trazem a marca do tempo, do lugar e dos artistas que as criaram, pois refletem essa variação no conceito de beleza e na função do objeto artístico.

Em muitas sociedades, a arte é utilizada como forma de homenagear os deuses, ou seja, está ligada à religião. Observe como as igrejas, os templos e os túmulos são locais em que a arte se manifesta em todos os tempos. Indumentárias, objetos que são usados em rituais, instrumentos musicais, adereços, imagens, completam os cenários das cerimônias religiosas. Em outras culturas e épocas, a arte surge independente da religião, unicamente como forma de expressão para quem produz, e como oportunidade de experiência especial para quem aprecia.

Qualquer que seja sua direção, a arte está em toda parte e é um elemento definidor da identidade de um povo, de um grupo social e de um indivíduo.

Linguagem....O artista pode se manifestar de diversas formas: pelo som (música e canto), pela linguagem verbal oral ou escrita (literatura), pela linguagem visual (pintura, desenho, escultura, gravura, fotografia, cinema, grafite) ou pela linguagem cênica (teatro e dança). Ou pode ainda expressar-se pela mistura de várias linguagens.

Quando você organiza seus objetos e quadros no seu quarto, ou enfeita o seu caderno, ou coloca gravuras coladas no seu armário, ou quando escolhe suas roupas de forma que combinem, você está usando o seu talento estético, o seu gosto. Dizem “de artista, de médico e de louco todos temos um pouco”. Mas há pessoas que têm a arte como profissão.

O artista é aquele que se realiza expressando-se por meio da criação, da imaginação. Quem se dedica à arte pode ter diversos objetivos, como, entre outros:

• provocar emoção;

• proporcionar prazer estético;

• comunicar aos outros seus pensamentos e sentimentos;

• sentir alegria ou satisfação durante o ato criativo;

• explorar novas formas de expressão;

• perpetuar sua existência no mundo;

• divulgar suas crenças;

• ocupar o tempo de forma criativa;

• documentar o seu tempo;

• homenagear alguém, algum fato ou algumas idéias.

Antigamente os artistas se formavam trabalhando nas oficinas de outros artistas, como ajudantes. Hoje, algumas pessoas se formam em escolas ou universidades especializadas em arte para se transformarem em artistas. Outros, sem qualquer formação sistemática (chamados de autodidatas), começam a produzir arte e se dedicam a essa ocupação durante a vida toda. Tomam a arte como profissão.  Alguns artistas conseguem tanto sucesso com o seu trabalho que ganham muito dinheiro. Outros, passam a vida tentando vender os seus trabalhos sem conseguir mas mesmo assim não abandonam a sua arte, pois o verdadeiro artista não pode viver sem sua forma de expressão.

 Texto baseado no livro “Explicando a Arte”, de Jô Oliveira e Lucília Garcez.

2ª SÉRIE - TEXTO 3 - 1ª Unidade

Linguagem Visual

Na linguagem visual, há correspondência simétrica quando todos os elementos assumem uma configuração ordenada e todas as partes da composição se repetem com base numa ordem geométrica.

A característica principal da simetria é a correspondência entre as partes.

A forma mais comum da simetria é a bilateral ou real.

Simetria bilateral: acontece quando todas as formas, pesos, cores, linhas e movimentos estão distribuídos com equilíbrio entre a parte direita e esquerda.

Existem também as simetrias aparente e radial ou central.

Simetria aparente: é aquela em que um lado não é igual ao outro.

Ex.: As pétalas de uma flor não são absolutamente iguais às de outra flor. Elas diferem em número e posição.

Simetria radial ou central: quando todos os pontos passam através de um eixo central ou se irradiam a partir dele.

Ex.: As rodas de uma bicicleta, a cúpula de algumas igrejas, principalmente as de estilo gótico.

Assimetria: é a ausência de respeito a um eixo central e a ausência de correspondência entre os lados ou partes. Ex.: pedras (minerais) naturais, nas formas arquitetônicas, nas esculturas, etc.

COMPOSIÇÃO

Compor: é reunir ordenadamente uma série de elementos e representá-los no papel.

A composição tem a função comunicativa, passando idéias, sensações e mensagens de forma coerente. Procura transmitir dinamismo, ritmo, simetria, assimetria, linha de força, imobilidade, estática.

Na linguagem visual, há correspondência simétrica quando todos os elementos assumem uma configuração ordenada e todas as partes da composição se repetem com base numa ordem geométrica.

Estática: São aquelas figuras que dão a sensação de imobilidade.

Ritmo: é uma sensação regular de elementos, de forma, de objetos, de cores, de movimento que se repetem constantemente, em movimento uniformes crescentes, decrescentes, alterados ou radicais.

O ritmo mais simples é gerado por uma sucessão de elementos iguais.

Ritmo uniforme: Quando a forma e o objeto que compõem o ritmo se repetem.

Ex.: as garrafas em série saindo de uma fábrica.

Ritmo crescente: Quando formas diversas se repetem e crescem progressivamente.

Ritmo decrescente: quando as formas diversas diminuem gradativamente.

   

Ritmo alterado: quando formas diversas se repetem regularmente e se alteram entre si.                                                   

                                                                         

Ritmo radial: Quando os elementos de uma forma se irradiam do centro para fora.

Os ritmos radiais podem ser: uniformes, crescentes, decrescentes e alterados.

BRUNA, r. Cantele. Arte, etc e tal... Vol. 3. IBEP. São Paulo.

http://mint-webdesign.com/cores/11.html

ATIVIDADE

1.   1 - O que vem a ser simetria e como ela se classifica?

2.  2 - Qual a característica principal da simetria?

3.  3 - Qual a diferença entre a simetria aparente e a radial ou central?

4.  4 - Conceitue assimetria e dê exemplo.

5.  5 - Escolha um dos ritmos estudados e crie uma composição em papel ofício utilizando revistas ou papel colorido.

3ª SÉRIE - TEXTO 2 - 1ª Unidade

Abstracionismo X Figurativismo

Arte Abstrata ou Abstracionismo: Começou a ser valorizada a partir de 1910 por um artista russo, Vassili Kandinsky. É um termo genérico utilizado para classificar toda forma de arte que se utiliza somente de formas, cores ou texturas, sem retratar nenhuma figura, rompendo com a figuração, com a representação naturalista da realidade. Podemos classificar o abstracionismo em duas tendências básicas: a geométrica e a informal.

No Abstracionismo geométrico, ao desenvolver pinturas, gravuras e peças de arte gráfica, os artistas exploram com rigor técnico as formas geométricas e as cores, sem a preocupação de transmitir idéias e sentimentos.

Os principais iniciadores do Abstracionismo geométrico são o russo Malevitch (1878-1935) e o holandês Piet Mondrian (1872-1944). Com quadros em que figuras geométricas flutuam num espaço sem perspectiva.

Abstracionismo Informal predominam os sentimentos e emoções. Por isso, as formas e cores são criadas mais livremente.

Arte Figurativa ou Figurativismo: é aquela que retrata e expressa a figura de um lugar, objeto, pessoa ou situação de forma que possa ser identificado, reconhecido. Abrange desde a figuração realista (parecida com o real) até a estilizada (sem traços individualizadores). O figurativismo segue regras e padrões de representação da imagem retratada. Contrapõe-se ao abstracionismo.

A pintura figurativa possui vários gêneros:

Retrato: Representação de uma imagem de uma pessoa por meio de pintura, desenho, gravura ou fotografia. É um dos gêneros mais populares.

A tradição do retrato começou na antiguidade:

No Egito onde o faraó e sua família eram retratados;

Na Grécia antiga onde as moedas eram cunhadas com o retrato dos seus soberanos;

Roma utilizavam o retrato para cultuar os antepassados.

A partir do Renascimento a produção aumentou.

As vezes o retrato nos mostra uma só pessoa, as vezes um grupo inteiro: uma família, membros de um clube, fregueses de um restaurante e as vezes o próprio pintor chamando-se autorretrato.

Paisagem: Mostra o campo, a cidade, a praia.

Marinha: Chama-se marinha a pintura que tem especificamente por tema a paisagem marítima ou assuntos marinhos.

As marinhas aparecem pela primeira vez no século XVI nos Países Baixos e se desenvolvem no século XVII e XVIII, com a crescente especialização de alguns artistas em pinturas com temas específicos.

Pintura em que o mar é o tema principal.

Natureza Morta: Retrato de uma coisa sem vida como restos de objetos inanimados, um vaso de flores, um animal morto.

Surgiu como um gênero mais simplório, no início do Barroco, derivado das pinturas que representavam cenas religiosas em cozinhas populares;

A preocupação dos artistas era representar os próprios objetos: sua cor, texturas, volumes, superfícies e a relação entre esses objetos;

ü  Foi apenas no século XVIII, em meio ao surgimento da disciplina de estudo científico História da Arte, que estes foram considerados "gêneros" de pintura.

ü  No século XVII a natureza-morta era considerada de menor importância (em relação às pinturas históricas, mitológicas e religiosas) e tinha um menor preço no mercado.

ü  Era vista como pintura apenas decorativa e, mesmo nos lares mais humildes, ocupava os cômodos de menor importância.

ü  Na Espanha o gênero foi chamado Bodegodes e foi usado como forma de mostrar a habilidade técnica naturalista do artista e por remeter, além dos conteúdos morais, ao misticismo tão valorizado pela cultura da época.

 No final do século XIX e início do século XX, em meio aos ideais modernistas e das tendências formalistas, a natureza-morta voltou a ser vista como em sua origem: um gênero “sem tema”. Pela neutralidade dos “personagens” deste gênero, ele era apropriado para as pesquisas plásticas dos artistas (de composição, cor, figura, etc

Pintura Histórica: Apresenta cenas ligadas a acontecimentos históricos antigos ou contemporâneos.

Pintura Mitológica: Caracterizado pela representação de personagens e cenas da mitologia greco-romanas - que tem um longo trajeto na história da arte.

Pintura de Gênero: Focaliza aspectos da vida cotidiana.

Pintura Religiosa: Aborda temas bíblicos, milagres, fatos da vida dos santos.

Referências

FEIST, Hildegard. Uma pequena viagem pelo mundo da Arte. Moderna. São Paulo. 1996.

SOUZA, Edgard Rodrigues de. Desenho e Pintura. Moderna. São Paulo. 1997

GARCEZ, Lucília. OLIVEIRA, Jô. Explicando a Arte: uma iniciação para entender e apreciar as artes visuais. Ediouro. Rio de Janeiro. 3ª edição. 2002

Azevedo Junior, José Garcia de. Apostila de Arte – Artes Visuais. São Luís: Imagética Comunicação e Design, 2007.

3ª SÉRIE - TEXTO 1 - 1ª Unidade

Compreendendo a Arte

O conceito de arte é extremamente subjetivo e varia de acordo com a cultura a ser analisada, período histórico ou até mesmo indivíduo em questão.

O que é arte afinal?

à  Criação humana com valores estéticos (beleza, equilíbrio, harmonia, revolta) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura.

à  É um conjunto de procedimentos que utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos nossos conhecimentos.

à  Capacidade do homem criar e expressar-se, transmitindo idéias, sensações e sentimentos, através da manipulação de materiais diversos.

à  Desperta emoções diferentes de indivíduo para indivíduo.

à  Permite várias interpretações, várias leituras.

à  Desperta os mais variados sentimentos: alegria ou tristeza, serenidade ou inquietação, confiança ou medo.

à  Muitas vezes nos leva a pensar sobre o homem e o mundo, sobre nós mesmos e os outros.

à  Produto da criatividade humana, que utilizando conhecimento, técnicas e um estilo ou jeito todo especial, transmite uma experiência de vida ou uma visão de mundo, despertado emoções em quem usufrui.

Dentre os possíveis e variados conceitos que a arte pode ter podemos sintetizá-los do seguinte modo – a arte é uma experiência humana de conhecimento estético que transmite e expressa ideias e emoções na forma de um objeto artístico (desenho, pintura, escultura, arquitetura etc) e que possui em si o seu próprio valor. Portanto, para apreciarmos a arte é necessário aprender sobre ela. Aprender a observar, a analisar, a refletir, a criticar e a emitir opiniões fundamentadas sobre gostos, estilos, materiais e modos diferentes de fazer arte.

O mundo da arte é concreto e vivo podendo ser observado, compreendido e apreciado. Através da experiência artística o ser humano desenvolve sua imaginação e criação aprendendo a conviver com seus semelhantes, respeitando as diferenças e sabendo modificar sua realidade. A arte dá e encontra forma e significado como instrumento de vida na busca do entendimento de quem somos, onde estamos e o que fazemos no mundo.

Além disso, a produção artística pode ser de grande ajuda para o estudo de um período ou de uma cultura particular, por revelar valores do meio em que é produzida.

A arte apresenta nove expressões artísticas: a Música, a Dança, as Artes Plásticas, as Artes Cênicas, a Literatura, a Arquitetura, o Cinema, as Narrativas Televisivas e as Histórias em Quadrinhos.

A arte é conhecimento. A arte é uma das primeiras manifestações da humanidade como forma do ser humano marcar sua presença criando objetos e formas (pintura nas cavernas, templos religiosos, roupas, quadros, filmes etc) que representam sua vivência no mundo, comunicando e expressando suas idéias, sentimentos e sensações para os outros.

Desta maneira, quando o ser humano faz arte, ele cria um objeto artístico que não precisa nos mostrar exatamente como as coisas são no mundo natural ou vivido e sim, como as coisas podem ser, de acordo com a sua visão. A função da arte e o seu valor, portanto, não estão no retrato fiel da realidade, mas sim, na representação simbólica do mundo humano.

Para existir a arte são precisos três elementos: o artista, o observador e a obra de arte.

O primeiro elemento é o artista, aquele que cria a obra, partindo do seu conhecimento concreto, abstrato e individual transmitindo e expressando suas idéias, sentimentos, emoções em um objeto artístico (pintura, escultura, desenho etc) que simbolize esses conceitos. Para criar a obra o artista necessita conhecer e experimentar os materiais com que trabalha, quais as técnicas que melhor se encaixam à sua proposta de arte e como expor seu conhecimento de maneira formal no objeto artístico.

O outro elemento é o observador, que faz parte do público que tem o contato com a obra, partindo num caminho inverso ao do artista – observa a obra para chegar ao conhecimento de mundo que ela contém. Para isso o observador precisa de sensibilidade, disponibilidade para entendê-la e algum conhecimento de história e história da arte, assim poderá entender o contexto em que a obra foi produzida e fazer relação com o seu próprio contexto.

Por fim, a obra de arte ou o objeto artístico, faz parte de todo o processo, indo da criação do artista até o entendimento e apreciação do observador. A obra de arte guarda um fim em si mesma sem precisar de um complemento ou “tradução”, desde que isso não faça parte da proposta do artista.

Através da Arte, o homem se expressa e se comunica; busca a beleza e o prazer estético pois a pessoa humana tem necessidade de beleza e perfeição, anseia pelo infinito e pelo absoluto.

A emoção estética consiste num momento de felicidade e de simpatia, decorrente do acordo do pensamento e da sensibilidade com a obra de arte; assentimento (aprovação), admiração e alegria; integração harmônica do mundo subjetivo com a objetividade da obra apreciada.

Em resumo, a percepção estética compreende a fusão pura, harmoniosa e perfeita de dois elementos: o subjetivo e o objetivo, já que a obra artística é a realidade objetiva do mundo estético.

O homem cresce interiormente e se integra na sociedade, ao criar a obra de arte e ao conviver com ela. A apreciação artística apura a sensibilidade e forma o gosto estético.

A arte, além de ser a mais convincente linguagem da alma humana, documenta a época em que foi concebida. Externa não apenas sentimentos individuais, mas também sentimentos coletivos, a vida social e a cultura de uma época, com seus costumes, crenças e filosofias.

O artista, ser privilegiado por seus dons especiais, torna-se, indiretamente, um porta-voz dos anseios e ideais da comunidade em que vive, por estar sujeita às influências e condicionamentos sócio-culturais de um ambiente e de uma época.

A Arte é testemunha perene (que não tem fim) da história. Corporifica as características de cada época na suas formas expressivas e as imortaliza.

Cada período histórico que se esvaiu no tempo, ficou materializado em seu patrimônio artístico que revela abstratamente os ideais de personalidades e gerações extintas.

Conceitos, importância e funções da Arte

Dentre os possíveis e variados conceitos que a arte pode ter podemos sintetizá-los do seguinte modo – a arte é uma experiência humana de conhecimento estético que transmite e expressa idéias e emoções na forma de um objeto artístico (desenho, pintura, escultura, arquitetura etc) e que possui em si o seu próprio valor. Portanto, para apreciarmos a arte é necessário aprender sobre ela. Aprender a observar, a analisar, a refletir, a criticar e a emitir opiniões fundamentadas sobre gostos, estilos, materiais e modos diferentes de fazer arte.

Uma tela pintada na Europa no séc. XIX pode não ter o mesmo valor artístico para uma comunidade indígena ou para uma sociedade africana que conservem seus valores e tradições originais. Por que isso pode acontecer se a arte é universal?

Para esses grupos étnicos os significados da arte como a entendemos podem não ser os mesmos por não pertencerem ao contexto em que eles vivem.

Cada sociedade possui seus próprios valores morais, religiosos, artísticos entre outros. Isso forma o que chamamos de cultura de um povo. Mas uma cultura não fica isolada e sofre influências de outras, portanto, nenhuma cultura é estática e sim dinâmica e mutável. A arte, ao longo dos tempos, tem se manifestado de modos e finalidades diversas. Na Antiguidade, em diferentes lugares a arte era vislumbrada em manifestações e formas variadas – na Grécia, no Egito, na Índia, na Mesopotâmia...

Os grupos sociais vêem a arte de um modo diferente, cada qual segundo a sua função. Nas sociedades indígenas e africanas originais, por exemplo, a arte não era separada do convívio do dia-a-dia, mas presente nas vestimentas, nas pinturas, nos artefatos, na relação com o natural e o sobrenatural, onde cada membro da comunidade podia exercer uma função artística.

Somente no séc. XX a arte foi reconhecida e valorizada por si, como objeto que possibilita uma experiência de conhecimento estético.

Ao longo da história da arte podemos distinguir três funções principais para a arte – a pragmática ou utilitária, a naturalista e a formalista.

Função pragmática ou utilitária: a arte serve como meio para se alcançar um fim não-artístico, não sendo valorizada por si mesma, mas pela sua finalidade. Segundo este ponto de vista a arte pode estar a serviço para finalidades pedagógicas, religiosas, políticas ou sociais. Não interessa aqui se a obra tem ou não qualidade estética, mas se a obra cumpre seu papel moral de atingir a finalidade a que ela se prestou. Uma cultura pode ser chamada pragmática quando o comportamento, a produção intelectual ou artística de um povo é determinada por sua utilidade. Nessa perspectiva, a avaliação de uma obra de arte obedece a critérios definidos: o critério moral do valor da finalidade a que serve (se a finalidade for boa, a obra é boa); e o critério de eficácia da obra em relação à finalidade (se o fim for atingido, a obra é boa).

Função naturalista: o que interessa é a representação da realidade ou da imaginação o mais natural possível para que o conteúdo possa ser identificado e compreendido pelo observador. A obra de arte naturalista mostra uma realidade que está fora dela retratando objetos, pessoas ou lugares. Para a função naturalista o que importa é a correta representação (perfeição da técnica) para que possamos reconhecer a imagem retratada; a qualidade de representar o assunto por inteiro; e o vigor, isto é, o poder de transmitir de maneira convincente o assunto para o observador.

Função formalista: atribui maior qualidade na forma de apresentação da obra preocupando-se com seus significados e motivos estéticos. A função formalista trabalha com os princípios que determinam a organização da imagem – os elementos e a composição da imagem. Com o formalismo nas obras, o estudo e entendimento da arte passaram a ter um caráter menos ligado às duas funções anteriores importando-se mais em transmitir e expressar idéias e emoções através de objetos artísticos. Foi só a partir do séc. XX que a função formalista predominou nas produções artísticas através da arte moderna, com novas propostas de criação. O conceito de arte que temos hoje em dia é derivado desta função.

Funções da arte: pragmática ou utilitária (de acordo com o tempo e local), naturalista (refletir a realidade), formalista (apresentar a obra de arte).

Referências

FEIST, Hildegard. Uma pequena viagem pelo mundo da Arte. Moderna. São Paulo. 1996.

SOUZA, Edgard Rodrigues de. Desenho e Pintura. Moderna. São Paulo. 1997

GARCEZ, Lucília. OLIVEIRA, Jô. Explicando a Arte: uma iniciação para entender e apreciar as artes visuais. Ediouro. Rio de Janeiro. 3ª edição. 2002

Azevedo Junior, José Garcia de. Apostila de Arte – Artes Visuais. São Luís: Imagética Comunicação e Design, 2007.